ABBEY ROAD Y DE CÓMO UN FOTOGRAFO PUEDA INMORTALIZAR UN MOMENTO

                                  

La famosa fotografía en la calle Abbey Road, en donde se ve a los Beatles cruzándola. La misma fue tomada basándose en una idea de Paul McCartney, queriendo demostrar en ella, que se alejaban de los estudios EMI ubicados en dicha calle. Una despedida gráfica porque esa sería la última vez que grabarían en ese estudio.

Era el 8 de agosto de 1969, esa mañana los Beatles, Paul, Ringo, George y John, abandonaron el estudio y les acompañaba el fotógrafo Ian Macmillan, a quien le tomó solo 15 minutos captar al grupo cruzando la calle, mientras el tráfico era detenido por un policía. Eran las 11:30 a.m.

Macmillan tomó en ese momento 7 fotografías, de las cuales ya todos sabemos cuál fue la elegida para la portada del disco Abbey Road.

Por supuesto y como suele suceder, la famosa fotografía trajo consigo innumerables comentarios y se rodeó de misterios. La gente se preguntaba, por qué Paul McCartney no llevaba zapatos. El rumor decía que Paul había muerto hacía dos años y fue reemplazado por un desconocido, quien no quiso utilizar los zapatos del muerto. Pero en realidad es que Paul no lleva zapatos porque en ese Agosto de 1969, el calor fue insoportable. De hecho en otras de las fotos tomadas, él lleva sandalias, las cuales arrojo a la acera cuando el calor lo desesperó.

                                

Otra leyenda que surgió con esta foto, fue la supuesta señal dejada por el grupo, indicando la edad que tendría Paul si no se hubiese muerto, esto se lee en la placa del Volskwagen que está estacionado en la calle, 281F. La verdad es que este vehículo solía estar allí. Se intentó ubicar a su dueño pero no fue localizado. Este escarabajo fue subastado en 1986 en un precio millonario.

El disco Abbey Road, cuya portada obstenta esta famosa fotografía, inicialmente se iba a llamar Everest y ya se estaba organizando el viaje al Himalaya donde realizarían los Beatles una sesión fotográfica.

En el sitio se colocó una placa con la matrícula del Volskwagen, así como un letrero muy llamativo con el nombre de la calle. Durante décadas ambas fueron robadas por los fans de la banda. Así que las autoridades londinenses, decidieron pintar sobre la pared, la información de ambas.

En la fotografía se ven los Beatles cruzando el paso cebra, en fila india, para los fantasiosos como escenificando un cortejo fúnebre. Lennon vestido de blanco, era el predicador. Rinco iba de luto, era el amigo del difunto. Harrison vestía ropa vaquera, totalmente informal, era el enterrador. Paul iba descalzo y con los ojos cerrados. Además su paso estaba descoordinado. También le atribuyeron a la foto, que el coche estacionado del lado derecho, era un carroza fúnebre color negro.

                                

Al lado de la supuesto coche fúnebre, aparece un señor que por cierto se enteró de su privilegiada posición en uno de los discos más vendidos de la historia. Su nombre era Paul Cole, un turista americano que esta de vacaciones con su esposa en Londres. Ese día fueron a visitar un Museo cercano, pero el señor no quiso entrar y se fue a caminar por esa calle mientras su esposa miraba el arte. Como el mismo contó después, iba caminando por la calle y me puse a conversar con un agente de policía, cuando de pronto vi a cuatro patos cruzando el paso de peatones según sus palabras, y ni idea de quienes eran. El señor Cole murió a los 96 años.                                                              

Hablando de Ansel Easton Adams

Ansel Easton Adams fue un  fotógrafo y ecologista, nacido en San Francisco, California. Un hombre que a la edad de 4 años, vivió el terremoto de San Francisco en 1906. En el mismo sufrió un percance y tuvo rotura de tabique nasal.

Pese a ser un chico inteligente, era muy tímido tal vez por la dislexia que padecía, hecho que le hizo imposible adaptarse a la escuela. Fue una persona que luchó durante toda su vida por  proteger la naturaleza.

La disciplina la obtuvo estudiando piano durante varios años. Sus padres le obsequiaron una cámara Kodad #1, Box Brownie y así inició su amor por la fotografía.

En 1930 se impactó con las fotografías de Paul Strand otro fotógrafo famoso. Esto lo hizo encaminarse hacia el estilo “straight phtography” (fotografía directa o pura). En este estilo la luz en el lente es lo más importante, y en él la fotografía sufre poco retoque.

Adams se juntó con otros fotógrafos y formaron un grupo llamado F/64. Este grupo se encargó de promover y evolucionar  “straight phtography”. Dentro del grupo Adams se destacó por que era entusiasta.

Visitó Nueva York, y allí conoció a un fotógrafo por el que siempre sintió admiración, Alfred Stieglitz. Este le ayudó a hacer su primera exposición. Estando en N.Y. colaboró con la organización de la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de esa ciudad (MoMa).

A pesar de ser un buen fotógrafo, esto no le daba para vivir. Su situación económica se hizo precaria y fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. Esto no le agradaba mucho, pues él quería desarrollar su creatividad, pero obtenía dinero suficiente para vivir.  Trabajo para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad.

Este trabajo le sirvió para su sustento financiero, pero más que nada sus fotografías se hicieron un ìcono por las bellezas naturales norteamericanas que fotografiaba, las cuales son reconocidas mundialmente.

Sus compañeros de profesión, comenzaron a pedirle consejos técnicos. Adams desarrolló el “sistema de zonas”. Este es un método que divide la graduación de la luz de una escena en 11 zonas diferentes del blanco al negro, lo que permite al final, una gran precisión en los diferentes niveles de grises en la fotografía.

Sus imágenes mostraban siempre la naturaleza, la cual defendía, y se convirtieron en símbolos de Angloamérica, siendo los paisajes su principal tema. Rara vez se veía una persona en una de sus fotografía, por lo que fue duramente criticado.

Se dijo sobre él:  “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams fotografía son piedras y árboles". Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio Internacional de la Fundaciónn Hasselblad.

Para algunos los lugares que fotografió ya no existen, para otros esos lugares siguen existiendo gracias a que Adams con su esfuerzo por salvarlos, los capturó para siempre en esas fotografías.

El Departamento del Interior del Gobierno de los EE.UU., lo contrató en 1941, para que realizara una serie de fotos de parques naturales, reservas aborígenes y otros lugares, para ser utilizadas como fotografías murales en el nuevo edificio del Departamento en Washington.

Adams llevaba un registro meticuloso de sus viajes y gastos. Pero no lo fue con respecto a las fechas de sus imágenes y se negó a registrar la fecha de la famosa fotografía “Moorise over Hernández”. Pero la posición de la luna permitió que fuese fechada mucho después, y quedó como que fue tomada el 1 de noviembre de 1941. Esto hizo aclarar que la fotografía pertenecía a Adams no al Departamento. El proyecto del mural se detuvo por la llega de la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos en 1942, y nunca fue terminado.

Adams murió debido a un fallo en el corazón, agravado por un cáncer de páncrea, el 22 de abril de 1984.

La fotografía como obra de arte...

Una cámara fotográfica  al igual que un pincel y el lienzo  son instrumentos  utilizados por muchos artistas para expresar sus emociones.  La fotografía se considera también un arte, y como  todo arte contemporáneo, en la fotografía la idea que se vende es incluso más importante que la propia obra.  Lo que quiere decir, que la obra prevalece sobre sus aspectos formales.

La fotografía artística más allá de su belleza, nos hace preguntarnos si luego de tomar una fotografía que nos parece hermosa, únicamente será observada y olvidada, como muchas de las imágenes que abundan en el mundo, las cuales las personas acostumbran ver pero no se fijan en las imágenes que existen en nuestro alrededor.

 

Muhammad Ali Vs Sonny Liston (1965) Fotografía de Donald L. Robinson

Miguel Oriola dice por ejemplo: "La fotografía es hoy el arte. Y como el arte, libre. El artista construye imágenes lentas que se oponen a la estética de la instantánea.  La fotografía pasa a ser el soporte donde el autor expresa su discurso y no el objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos"

La visión de la fotografía como arte, se hereda de la década de los 60, cuando los artistas se preocupaban más por el concepto y la idea, que en la propia materialización de la obra.

 Hay artistas que expresas en sus fotografías, sus emociones. Muchas de esas fotos seguramente no son brillantes, ni estéticas ni técnicamente correctas, pero tienen un potente concepto, tal vez en la fuerza que hubo detrás del trabajo previo. Por otro lado, nos encontramos con imágenes realizadas por fotógrafos artísticos, tan bellas que son arte por sí solas, por su hermosura y su perfecta realización al momento de tomar la foto.

Pero seamos realistas, una fotografía artística sólo será aquella que cumpla los dos requisitos, aquella que puede ser evaluada tanto por su realización como por el concepto que quiere transmitirnos.

 

 "El Día de la Independencia" - Por:  Marko Korošec - Tornado Alley en Colorado, EEUU

Premio NATIONAL GEOGRAPHIC 2014

ROCK AND ROLL ALL NIGHT PHOTOGRAPH EVERY DAY

Abril de 2009, Venezuela    

Es de noche y está muy oscuro.  Las luces de las pantallas de teléfonos celulares  y cámaras digitales parecen luciérnagas desorientadas.  De un momento a otro se visualiza, por unos segundos, la palabra KISS en un gran telón que, negro como la noche, cubre el escenario.  Este cae y parece que acciona 6 volcanes de fuego.  Paul Stanley se ubica hacia el centro y se inclina, al mismo tiempo que toca con furia la guitarra. Atrás, Gene Simmons, esa icónica figura del Rock, con su gran lengua, canta las primeras frases de Deuce, la canción con la que abrieron el concierto.    

Es difícil describir la mezcla de emociones.  No sé si sentir nostalgia, cantar las canciones a todo pulmón o tomar fotos.  De cierta forma, en medio del éxtasis de esa intro tan poderosa, fundo mis sentimientos y acciones en una sola actitud y entro en una especie de trance. Disfruto, en toda la extensión de la palabra, el concierto, y es que mí euforia no  puede ser menor al ver una banda con más de 35 años de carrea musical y 28 discos de oro.     

El maquillaje, que dejaron de utilizar desde 1983 hasta 1996, siempre ha tenido como fin transmitir una identidad propia que, en vez de esconderlos, logra una extraña conexión con el público. Miro a Gene, quien saca la lengua mientras el público enloquece.     

Me parece mentira, instantes previos al concierto, haber estado en la sala VIP, a solo unos metros de estos grandes rockeros, que reían y tomaban algo antes de salir al escenario, una escena muy diferente a ese ambiente de drogas y groupies que en algún momento pensé  encontrar.  

Creo que me gocé ese concierto como nadie, definitivamente las experiencias son mil veces más importantes que  las posesiones. 

Foto de mi colección personal, tomada en Caracas - Venezuela

Abril de 2015, Bogotá

Las vueltas de la vida me han trasladado a  la capital colombiana, y como siempre estamos en el lugar adecuado, voy a ver de nuevo a Kiss en su gira 40+Aniversary World Tour. Para un gran fanático del Rock como yo, cada concierto, cada ocasión en que escucho una de sus canciones, cada contacto con la banda es una experiencia diferente.

Ya tengo listo mi kit de Fotografía para capturar a la banda en vivo, espacio en el cual un grupo de rock  despliega todo su potencial artístico y musical.

Algunos se preguntarán  ¿Para qué tomarles fotos una segunda vez? He ahí una de las bellezas de mí profesión: podemos fotografiar a una persona, lugar u objeto mil veces, y cada toma será diferente a la anterior.

Por eso, y parafraseando el título de una de sus canciones, he decidido  que mi vida, en gran medida, consista en: Rock and Roll All Night photograph every day.